Bienvenue !!!

Dernière mise à jour le 16/02/2020

Attention ! Ce blog est en construction ! Il n'est pas encore complet ni optimisé !

Lisez les dernières chroniques :




Bienvenue à toutes et à tous sur ce blog !

Celui-ci, comme son nom l'indique, va bien évidemment traiter de l'art de la bande-dessinée. Mais il ne parlera ni de son actualité, ni de faire des top ventes de l'année ou des meilleurs critiques.

Son but est de proposer les titres qui me semblent incontournables dans l'univers si vaste de la bande-dessinée. En effet, plusieurs milliers de titres sortent chaque année, mais combien valent vraiment la peine d'être découverts ? Au-delà des gros titres (dont certains demeurent très bons) tout un tas d'oeuvres passent complètement inaperçues, faute de publicité ou de mise en avant par les libraires qui ne peuvent évidemment pas tout connaitre. Et qu'en est-il des oeuvres oubliées, celles qui ont fait ce que la BD est aujourd'hui ?

Ainsi, ce blog est dédié à celles et ceux qui souhaitent découvrir cet univers si vaste et si riche, à celles et ceux qui ont "décrochés" et qui veulent s'y remettre, à celles et ceux aimeraient offrir de la BD à un.e amateur.trice mais qui ne savent pas quoi choisir (il n'y a rien de pire que de recevoir une BD "commerciale" d'une personne qui pense nous faire plaisir), ou simplement à celles et ceux qui ont envie de confronter leurs goûts.

Evidemment, les avis postés sur ce blog sont totalement subjectifs et n'engagent que moi. De plus, comme je ne peux pas tout lire, il n'est que le fruit de mes précédentes lectures, sans ôter les qualités de celles qui ne se trouvent pas sur ce blog. Les oeuvres présentées sur ce blog ne sont évidemment pas sans défauts, mais la perfection n'existe pas. Au contraire, les défauts de certaines oeuvres permettent d'être encore plus touché par la sensibilité des artistes qui nous offre leurs visions du monde.
Pour ce qui est des genres de BD que je décline, vous ne trouverez ni le genre "manga", ni le genre "comics". Les BD relatives à ces genres sont organisées (par ordre alphabétique) dans les genres traditionnels que vous retrouverez ici et sur la droite de ce blog :

Aventure Biographie Chronique sociale Documentaire Drame Erotique (Attention ! Rubrique réservée aux plus de 18 ans) Fantastique Heroic Fantasy  Humour et digressions Policier Science-Fiction Western

Ce blog est mis à jour en fonction des titres que je viens de lire, mais aussi de mon temps. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas !

Pour toutes questions ou conseils BD, n'hésitez pas à m'envoyer un message directement via ma page Contact.

Bonne visite donc ! Et vive la BD !...

Rosalie Blum

Rosalie Blum

Scénario :		Camille Jourdy
Dessin :		Camille Jourdy
Genre :		Chronique sociale
Année :		de 2007 à 2009
Edition :		Acte Sud
Nombre de tomes :		3
Statut :		Série terminée
Public :		Tout public

L'histoire
Vincent est coiffeur dans une petite ville de campagne. Il vit seul avec son chat, sous l'appartement de mère qui semble chaque jour un peu plus déconnectée de la réalité. Vincent s'ennuie ferme et sa petite amie, partie à Paris pour étudier, lui donne des nouvelles que lorsqu'elle y pense. Cela sent de plus en plus la fin d'une histoire qui n'avait peut-être jamais commencée. Les seules moment de plaisir, Vincent les passe devant une console de jeu, chaque week-end, avec son cousin. Bref Vincent tourne en rond. Jusqu'au jour où il rencontre l'épicière du coin. Pas que celle-ci lui ait tapé dans l'oeil, mais il semble l'avoir déjà vu. Etrange. Sans qu'il puisse l'expliquer, Vincent va se mettre à la suivre. Il va ainsi découvrir qu'elle se nomme... Rosalie Blum. Mais qui est Rosalie Blum ?



Mon avis
Camille Jourdy est la preuve vivante qu’il n’y a pas suffisamment d’autrices dans le monde de la bande dessinée franco-belge. En effet, sa sensibilité toute féminine lui permet de signer des oeuvres d’une finesse remarquable. Et si en plus on ajoute son exceptionnel talent à saisir toutes les fragilités de l’être humain, on peut compter sur Jourdy pour nous proposer une BD d’exception, ce qui est le cas avec "Rosalie Blum". L’autrice des très bons "Juliette" et "Les vermeilles" signe ici peut-être son oeuvre la plus aboutie. Une oeuvre qui parle de dépression, de sens de la vie, de la campagne, des souvenirs, mais aussi de cette folie douce qui se cache lorsque la porte de nos maisons lorsqu’elles se ferment sur le monde extérieur.

C’est un peu lorsque l’on prend enfin le temps de se poser des questions que l’on peut raisonnablement se poser celles qui entourent le but de notre existence. Si éduquer ses enfants ou construire sa vie professionnelle peut permettre de l’éviter soigneusement, elle peut rapidement poindre lorsqu’on se retrouve seul, que la vie a passé, que l’on cherche quoi faire pour continuer, que l’on est arrivé au point où l’on ne peut plus faire grand-chose pour sortir de sa routine, son quotidien, ses problèmes. Les nuages gris commencent alors à s’amonceler. Jourdy raconte la déprime, la déprime quotidienne de gens qui perdent peu à peu leurs liens sociaux, soit parce qu’ils n’ont pas fait d’effort pour les maintenir, soit parce que la vie leur a joué des tours et qu’ils n’ont plus la force de se créer de nouveaux objectifs. A quoi bon, finalement ? Il est peut-être trop tard… Mais l’autrice observe ses personnages avec tendresse et douceur. Elle décide plutôt de nous faire sourire. Et au lieu de clamer la déprime comme fatalité dramatique, elle la transforme en une mélancolie douce qui brille parfois par de courts instants de joie et de chaleur, précieux pour ses personnages.

De plus, avec son vrai talent de la narration, Camille Jourdy a construit une partie de son récit sur le mécanisme de l’ironie dramatique, c’est-à-dire qu’elle donne de nombreuses informations au lecteur, qu’elle cache évidemment à ses protagonistes. De plus, elle a décidé de raconter son récit sous deux points de vue différents (via les deux protagonistes principaux), ce qui permet encore de renforcer l’ironie, et par la même de dynamiser son histoire, dans laquelle l’enjeu principal n’est pas l’action, mais l’inertie de ses personnages et leurs tentatives pour en sortir, parfois même avec succès.

Le trait faussement naïf des dessins de Camille Jourdy permet au lecteur de prendre la distance nécessaire à l’appréhension de la mélancolie dans laquelle sont plongés ses personnages. On apprécie son trait léger et souvent tenté d’humour pour dessiner les visages de ses personnages très expressifs. Les couleurs sont douces, jamais tranchantes, toujours en écho avec le ton parfois nostalgique de cette bande dessinée. Il est agréable également de se perdre dans les nombreux détails des décors dans lesquels vivent les personnages, car leur caractérisation passe beaucoup par ce que racontent leurs objets, leurs habits.

"Rosalie Blum" s’inscrit dans ces chroniques sociales qui traient des vies banales, de gens normaux qui rencontrent des existences simples, la majorité finalement. Camille Jourdy s’intéresse à ces petits détails qui les caractérisent et les rend humains. Là où une dramaturgie traditionnelle demanderait des obstacles, de la tension, des conflits forts, l’autrice s’attache à dépeindre par de nombreuses situations anodines, voir inutiles, mais finalement pleines de sens, de richesse et de quiétude. La mélancolie n’est pas mauvaise en soi. Elle peut même parfois être reposante. C’est lorsqu’on se sent seul qu’il est important de se tourner vers les autres, qui sont souvent bien seuls aussi. Cette solitude n’est jamais une fatalité, à la condition d’accepter qu’il faudra peut-être faire quelques efforts pour s’ouvrir et construire ces relations. Ensuite, il n’y aura plus qu’à simplement profiter de demeuré ici, entouré des gens qui comptent et pleinement prendre conscience que la vie vaut la peine d’être vécu. "Rosalie Blum" est peut-être un très bon remède à la mélancolie !

A noter qu’une sympathique adaptation cinéma, réalisée par Julien Rappeneau, est sortie en salle en 2015.

Les couloirs aériens

Les couloirs aériens

Scénario :		Etienne Davodeau Christophe Hermenier Joub
Dessin :		Etienne Davodeau
Genre :		Chronique sociale
Année :		2019
Edition :		Futuropolis
Nombre de tomes :		one shot
Statut :		Unitaire
Public :		Tout public

L'histoire
À 20 ans, Yvan considérait les quinquagénaires comme des gars en fin de course. Et ça y est, Yvan vient d’avoir 50 ans. Il a perdu son boulot, sa mère, son père.Et si ce n’est pas la fin de la course, c’est quand même un virage un peu glissant…

Mon avis
L’auteur des « Mauvaises gens », Etienne Davodeau (accompagné de ses acolytes Christophe Hermenier et Joub), signe ici, avec « Les couloirs aériens », certainement son meilleur titre depuis « Lulu femme nue ». Il y avait pourtant en effet de quoi faire une histoire bien ennuyante que de traiter de la crise de la cinquantaine, surtout lorsque on loin de cet âge (en amont ou en aval) et que par conséquent le sujet peut demeurer inintéressant. Sauf que c’était sans compter l’incroyable talent de faiseur d’histoires de cet auteur qui aura passé la carrière à raconter des vies banales, tout en les rendant passionnantes.

Alors, oui cette nouvelle oeuvre parle de la crise de la cinquantaine, mais ce serait plutôt le point de départ de cette histoire qui va emmener son lecteur plus loin que de suivre la simple dépression d’un « jeune vieux ». Toutes les étapes de vie sont l’opportunité de faire un point sur son existence. Une existence qui ne sera plus jamais la même, soit parce que nos proches ont inéluctablement disparu, soit que le corps nous rattrape, soit parce que nos illusions se sont envolées, soit tout cela à la fois. Cela peut arriver à 30 ou 40 ans, mais la cinquantaine a cela de spécifique qu’elle sonne également le fait que l’on a dépassé, quoi qu’il arrive, la moitié de sa vie (les 10 dernières années permettant rarement de pouvoir se lancer dans des projets à l’autre bout du monde). Il convient alors de lui donner un nouveau départ, de nouveaux buts, parce qu’il est encore possible de faire tant de choses, même si les enfants que nous avons été n’existent plus depuis longtemps, nos parents disparaissent, nos enfants sont loin, et nos potes, tout comme nous, commencent à fatiguer. Et pourtant, avec toutes les expériences acquises, tous les gens rencontrés, tout le savoir-faire emmagasiné, il n’est plus que jamais possible de se lancer dans de nouveaux projets, de nouvelles vies et de commencer à accepter. Accepter quoi ? Cela dépend de tout un chacun. Et c’est à travers sa galerie de personnages, tous aussi véritables que Davodeau raconte tout cela avec la finesse de l’étude des comportements humains qui lui est propre. Les dialogues sont criants de vérité ; l’histoire, d’un premier abord telle une chronique sans véritable but, plutôt une déambulation dans les états d’âme du personnage principal, se révèle très bien structurée tout en nous amenant son lot de surprises et d’émotions.

Graphiquement, on est dans du Davodeau pur jus. Les personnages ne sont ni beaux ni laids, mais réels avec de belles expressions qui permettent de ne pas avoir besoin de rajouter du texte pour comprendre ce qu’il se passe. La structuration même des planches permet beaucoup de dynamisme, surtout que l’auteur choisi d’organiser son récit dans un seul décor, une maison perdue dans la campagne enneigée, parfaite métaphore de l’état psychologique du personnage principal sans qu’il ait besoin de nous le raconter.

Davodeau fait parler les jeunes avec les vieux, les enfants (qui ne le sont plus) avec leurs parents, nous montre que le passé n’a jamais complètement disparu et que finalement vieillir n’est pas si terrible, il suffit juste de l’accepter. Et que pour cela, les potes restent le meilleur remède à la déprime. Rendez-vous dans dix ans !

Du sang sur les mains

Du sang sur les mains - De l'art subtile des crimes étranges
titre original : Red handed: the fine art of strange crimes

Scénario :		Matt Kindt
Dessin :		Matt Kindt
Genre :		Policier
Année :		2018
Edition :		Monsieur Toussaint Louverture
Nombre de tomes :		1
Statut :		One shot
Public :		Tout public

L'histoire
À Diablerouge, à la frontière avec le Canada, dans les années 1960, le célèbre Inspecteur Gould se trouve confronté à une vague de criminels singuliers sévissant dans sa ville : une voleuse de chaises proustiennes, un pickpocket amnésique, un don juan aux mille visages… Saura-t-il résoudre toutes ces affaires ? Décèlera-t-il les liens entre elles ? Comprendra-t-il que, dans l’ombre, un être diabolique arme patiemment un piège destiné à l’anéantir, lui et ses idéaux ?



Mon avis
Matt Kindt prouve avec " Du sang sur les mains, de l’art subtile des crimes étranges", qu’il demeure un auteur complet tant dans le policier avec cette dernière oeuvre, que le thriller avec le brillant "Dept H" et le remarqué "Deux sœurs", le récit d’espionnage avec "Super Spy", et même ses histoires de super héros. "Du sang sur les mains" est l’une de ces oeuvres qui va demander au lecteur de faire un effort pour assembler l’histoire afin de la comprendre dans sa globalité.

Sous la forme de courts chapitres présentant des délits d’abord mineurs, mais condamnables, l’auteur distille sporadiquement des éléments qui prennent petit à petit sens dans une histoire bien plus profonde et plus complexe qu’elle n’y parait d’un premier abord. L’exercice pourrait être rébarbatif, mais Kindt possède suffisamment de métier pour rendre cela passionnant tout en posant systématiquement les mêmes questions : comment le ou la coupable en est-elle arrivée là ? Leurs délits sont-ils condamnables ? Dans l’absolu, certainement, puisque la loi les interdit et les sanctionne. Mais sont-ils également justifiables ? Et c’est la réflexion que construit l’auteur. La loi s’inscrit dans un cadre, un monde idéal où le délit ne peut être que la déviance d’une personne qui, par égoïsme, cupidité, ou folie, faute. Mais parfois, enfreindre la loi peut être une échappatoire, ou la seule manière de parvenir à atteindre à un objectif parfois louable. Parfois encore, la loi ne peut simplement pas être respectée parce que le cadre légal ne correspond plus à une réalité. Si traditionnellement, les histoires qui s’expriment sous la forme de puzzles sont plutôt construites en flashbacks. Ici, pas du tout. Le puzzle se construit avec des éléments donnés par des personnages. Des histoires très courtes qui sont aussi insérées ci-et-là dans la structure globale des livres, accompagnées articles de journaux qui dépeignent l’univers, la ville dans laquelle se jouent ces délits et aussi certains crimes. Si le sens de ces éléments n’est pas tout de suite clair au lecteur, tout prend petit à petit sa place afin de donner un tout très cohérent, voire surprenant. L’auteur sait où il souhaite aller dès la première case. Il convient donc lire tranquillement les pages, pour ne pas perdre les noms de certains personnages, les lieux, ou les dates.

Les crayons de Matt kindt font des merveilles. Aussi à l’aise au scénario qu’au dessin, celui-ci colle parfaitement à l’ambiance général, avec son trait efficace, ses couleurs pastel qui donnent au lecteur une sensation de détachement afin de lui permettre de recomposer ce puzzle et saisir la vacuité de certains délits et des condamnations. Mais Kindt se paie le luxe d’explorer plusieurs styles afin de permettre au lecteur de dissocier les différents degrés de narration et le conduire plus loin à Diablerouge, la ville de tous les crimes. Certaines pages sont superbes, d’autres surprenantes, reprenant l’esthétisme des magazines pulp des années 30 afin de guider au lecteur dans ce puzzle dont toutes les pièces se seront emboitées que dans les toutes dernières planches.

"Du sang sur les mains" pourrait passer pour une oeuvre expérimentale par sa forme singulière et sa narration. Mais c’est avant tout une BD policière dans la grande tradition de ses prédécesseurs, qui tente d’apporter une vision intéressante quant à la loi et son application. Tout n’est pas noir, tout n’est pas blanc. Et c’est justement ce qui dissocie l’homme de la machine, la nuance, l’interprétation et la compréhension. L’erreur est possible, et personne n’est pas l’abri de passer un jour à l’acte. Il suffit que les (mauvaises) conditions soient réunies et d’être là au mauvais moment.

Kill or be killed

Kill or be killed

Scénario :		Ed Brubaker
Dessin :		Sean Phillips
Genre :		Policier, fantastique
Année :		de 2018 à 2019
Edition :		Delcourt
Nombre de tomes :		4
Statut :		Série terminée
Public :		Pour adulte et adolescent

L'histoire
Après une tentative de suicide ratée, Dylan est sauvé par un démon, qui lui propose un marché. Il doit assassiner au moins un salopard par mois afin de gagner le droit de survivre. Et bien entendu, comme tout tueur, il va devoir pratiquer son premier assassinat, ce qui s’avère plus difficile que prévu… De plus, il se débat pour cacher ce secret qui met lentement sa vie en miette, ainsi que celle de ses proches.



Mon avis
Si certaines ou certains doutaient encore des talents de narrateur d’Ed Brubaker, avec "Kill or be killed", ce scénariste nord-américain devrait mettre tout le monde d’accord. En plus, s’il est rejoint par son binôme Sean Phillips, dont le duo a déjà fait ses preuves sur la fameuse série "Criminal" ou encore "Fondu au noir" ("The fade out"), on est quasi certain de débuter une série d’exception. Et c’en est une ! "Kill or be killed" est une superbe synthèse moderne de la traditionnelle histoire du pauvre type qui se trouve à reprendre son destin en main et du mythe de Faust, de Goethe, dont les possibilités dramaturgiques n’ont pas fini d’être explorées.

"Kill or be killed" est raconté à la première personne. Et c’est son personnage principal qui tient le crachoir pour partager avec le lecteur ses doutes, ses peurs, ses réflexions, sans jamais que cela tombe dans un roman illustré, malgré la quantité importante de texte. De plus, Brubaker, utilise une petite technique classique mais payante, qui lui permet de renforcer le suspens durant toute l’histoire. En effet, le narrateur nous place régulièrement et spontanément, sans contextualisation, au coeur de scènes clés de sa mission de justicier masqué (des meurtres, des moments où sa vie est en danger). Puis il se ravise et revient en arrière afin de nous raconter les tenants et aboutissants qui l’ont mené à ces instants dramatiques dont nous avons été témoins, et qui se joueront quelques chapitres plus tard. De plus, il n’hésite pas à nous montrer les périls qui se préparent, instaurant une ironie dramatique sur deux niveaux : le personnage principal ne sait pas qu’il est en danger, le lecteur est au courant mais ne connait pas la vraie nature du danger, et le narrateur, qui est ce même personnage, connait tout ce qu’il va se passer (puisque c’est son passé) et nous tient ainsi en suspens.

De plus, Brubaker oppose la mission altruiste d’une sorte de super héros malgré lui face à la réalité du monde dans lequel nous vivons : comment trouvé des « méchants » ? Comment les choisir ? Comment les arrêter ? Une simple prise de king-fu ne suffit pas ! Comment se battre face à des armes ? Comment les tuer sans se faire remarquer ? Comment ne pas être retrouvé par la police ? Des questions auxquelles notre protagoniste va donc se heurter sans forcément trouver de réponse.

Bien sûr, l’auteur va plus loin, en confrontant le personnage principal à l’imminence de la mort (lui qui souhait pourtant la trouver) ; il le place face à d’autres questionnement bien plus profond quant au sens de sa propre vie, la manière dont il a grandi, ses parents, ses amis, ses amours, sa propre construction. L’auteur affirme également que nous sommes tous des criminels en puissance, et que face à l’imminence de notre propre trépas, nous sommes potentiellement prêts à tout. Certains pouvant même basculer dans cette sensation de pouvoir décider de qui peut vivre ou pas, tel un pouvoir galvanisant, mais avec lequel on se brule tôt ou tard. Qu’est-ce que prendre la vie d’un meurtrier, d’un violeur ou d’un dealer ? Nous qui pouvons donner la vie, possédons-nous un droit divin qui nous permettrait de juger qui doit mourir ? Qui a perdu sa place parmi les vivants ? Brubaker questionne évidemment sur la peine de mort, sa légitimité, et le prix qu’il en coûte pour celui qui exécute, plus que pour ceux qui condamnent. Il est si facile de condamner, mais c’est autre chose que baisser la manette et de regarder en face celui ou celle qui le mérite, s’il le mérite vraiment…

Les dessins de Sean Phillips sont nerveux, brutaux, et cinématographiques avec des planches qui parviennent à dégager toutes les dimensions torturées qui éclatent dans la tête du protagoniste principal de l’histoire. La maitrise également des saisons qui passent est très bien rendue, avec une mention spéciale pour l’hivers où la neige se mêle parfaitement bien au sang. Chaque personnage est bien caractérisé, ce qui permet, malgré une narration éclatée, de suivre clairement ce qu’il se passe. Et les peintures oniriques nous offrent quelques moments de luxures démoniaques de toute beauté.

Le fameux duo d’auteur Brubaker/Phillips ne faillit pas à sa réputation. "Kill or be killed" est une oeuvre qui met en lumière l’un des nombreux côtés sombres de l’être humain, le plaisir de pouvoir tuer sans entrave. Voici une histoire de super-héros sans le côté héroïque, sans pouvoirs et dons spéciaux, où le bien peut être très proche du mal, ou les « méchants » sont aussi les « bons », et inversement. Pour éradiquer le mal, il faut devenir le mal.

Locke & Key

Locke & Key

Scénario :		Joe Hill
Dessin :		Gabriel Rodriguez
Genre :		Fantastique
Année :		de 2010 à 2014
Edition :		Bragelonne
Nombre de tomes :		6
Statut :		Série terminée
Public :		Pour adulte et adolescent

L'histoire
La famille Locke est déchirée. Après le meurtre brutal du père et sans raison, par un étudiant déséquilibré, tous emménagent dans la vieille demeure familiale. Mais quand une île s'appelle Lovecraft, la prudence est de mise ! Derrière les portes closes se dissimulent des secrets dangereux.



Mon avis
"Locke & Key" est une nouvelle illustration que le comics américain ne raconte pas seulement l’histoire de super héros improbables avec de supers pouvoirs face à des super méchants. Ce comics en six tomes narrés par le remarquable Joe Hill, ravira les fans de l’horreur, du fantastique, mais également les rôlistes qui prennent plaisir à fouiller, retrouver et dénouer les éléments d’une intrigues complexe pour la recomposer et en découvrir ses secrets. Car "Locke & Key" possède cette ambition, une histoire mystérieuse et complexe, pensée de bout en bout, qui se dévoile petit à petit, par différents éléments, jusqu’au bouquet final, en visitant les thèmes du deuil, de la transmission familiale, et du passage à l’âge adulte. Si ces thèmes peuvent paraitre traditionnels, leur traitement est d’une originalité rarement vue dans l’univers de la bande dessinée.

Joe Hill s’est certainement fait très plaisir en pensant cette histoire qui s’étale sur plusieurs décennies. Il faut croire que l’auteur est sensible aux préceptes de la psychanalyse. En effet, l’analogie de la maison familiale, dans laquelle vienne se réfugier les membres de la famille Locke en deuil, avec celle de l’esprit humain est très claire. Derrière chaque porte verrouillée (chaque souvenir, chaque névrose) se trouve une réponse, un secret, une douleur qu’il peut être bon d’ouvrir ou de laisser fermer, tout dépend de qui tournera la clef dans la serrure. Et dans tous les cas, il vaut mieux être accompagné pour affronter ce qui se cache derrière. Hill, petit génie de la dramaturgie, démarre son histoire de manière plutôt classique, un père assassiné brutalement et sans raisons apparentes, une famille dévastée, des ressentiments, des secrets qui ne demandent qu’à être résolus, une maison inquiétante. Puis il rajoute très vite un élément fantastique peu habituel. Certaines portes de la maison familiale, si elles sont ouvertes avec certaines clefs, donnent à celui ou celle qui les utilise certains pouvoirs puissants qui peuvent évidemment avoir des conséquences dramatiques si ceux-ci tombent entre de mauvaises mains. L’auteur maniant à la perfection la structure de son histoire, n’hésite pas à la raconter sur plusieurs temporalités, les lier, les délier, y mêler des flash-back, pour rajouter encore en mystère ; des révélations faisant écho à des chapitres précédents ou à venir sans jamais prendre le lecteur pour un idiot, car c’est à lui que reviendra la tâche de tout reconstruire. Il faut également ouvrir l’œil, car Hill ne fait pas forcément un gros plan sur chaque détail important pour comprendre certaines actions des personnages, d’où l’importance de bien scruter les dessins où tout y est révélé, mais pas forcément de manière explicite. De plus, et c’est suffisamment rare pour le souligner, le scénariste a tout pensé, à la page près. Ainsi, l’histoire se termine de manière aussi solide qu’elle a commencé, chaque porte, chaque intrigue et sous-intrigue, étant complètement pensée, intégrée, et refermée.

Avec son système de portes et de clefs magiques, Joe Hill donne une nouvelle vision de la transmission transgénérationnelle des traumatismes familiaux, qu’il faut dans tous les cas exprimer et soigner, sans quoi ceux-ci continuent de faire souffrir les descendants sans même savoir pourquoi ils souffrent ; le secret étant la pire des solutions. Les héros de cette histoire s’en rendent compte très vite. Il faut passer au-dessus de ses ressentiments si l’on souhaite se construire. Le passage à l’âge adulte demande un prix à payer, celui de pardonner à ses parents et faire le deuil de son enfance.

Ce sont souvent les dessins de cette oeuvre qui peuvent rebuter, ou destabiliser, lorsque le lecteur l’ouvre pour la première fois. En effet, Gabrielle Rodriguez, s’il s’inscrit dans des graphismes très comics pour le coup, possède une rondeur singulière dans son trait, avec ses personnages presque cartonnesques, le tout entrecoupé de scènes très gores et très violentes. Cela a de quoi surprendre. Sans compter que certains chapitres sont dessinés dans un autre style graphique qui déstabilise encore et prend pourtant tout son sens avec les derniers chapitres. De plus, de nombreux détails, pour appréhender complètement l’intrigue, sont distillés dans les décors ou sur les personnages, il n’est donc pas possible d’enchainer les planches à la manière d’un comics traditionnel, sans quoi le lecteur risque de passer à côté de nombreuses explications et ne pas comprendre certaines actions des personnages. C’est aussi un autre aspect très particulier de cette oeuvre, les capacités d’observations du lecteur sont sollicitées, sans jamais tomber évidemment dans un jeu, plus qu’une BD. Une attention plus appuyée est donc de mise, c’est certain.

"Locke & Key" possède toutes les qualités pour devenir une oeuvre majeure du genre. Une scénario béton, des graphismes uniques et une ambiance totalement nouvelle qui va marquer l’histoire de la bande dessinée américaine pour longtemps. A noter que quelques histoires dérivées ont été également réalisées et peuvent se lire (ou pas) en parallèle de cette série unique. De plus, les éditions Bragelonne proposent trois intégrales (à raison de deux tomes par intégrale) qui permettent d’inscrire cette magnifique série dans un superbe objet qui rend hommage aux talentueux auteurs que sont Hill et Rodriguez, et qui permettront au lecteur une découverte encore plus agréable de cette histoire.

Apocalypse sur Carson City

Apocalypse sur Carson City

Scénario :		Griffon
Dessin :		Griffon
Genre :		Fantastique, horreur, humour
Année :		de 2010 à 2018
Edition :		Akileos
Nombre de tomes :		7
Statut :		Série terminée
Public :		Pour adulte et adolescent, avec réserves

L'histoire
État du Nevada, à quelques jours d’Halloween.  Les frères Blackwood, recherchés pour une série de braquages, croisent au cours de leur cavale, le terrible shérif B. Justice et son adjoint. Dans le même temps, à l’autre bout de l’État, dans un des labos de la fameuse zone 51, le général Matthews découvre avec horreur les abominables résultats des expériences top-secrètes menées par le docteur Phobic... Bientôt, l’enfer s’ouvrira et Carson City en sera la porte !



Mon avis
Si l’on devait résumer "Apocalypse sur Carson City" en un seul mot, ce serait "jubilatoire". Le dessinateur de "Billy Wild", Guillaume Griffon, signe ici, seul, une oeuvre horrifique, un témoignage d’amour pour le cinéma de série B et de série Z, dans tout ce qu’il a de puissant, drôle et touchant. La construction de cette série fait écho au cinéma bis, tant dans le découpage, les cadrages, la caractérisation des personnages, que les dialogues qui font mouches ; certains personnages balançant des punchs lines quasiment à chaque réplique. Le scénario complètement déjanté (mais pas pour autant idiot) fait lui aussi référence à ces films des années 70-80 où l’enjeu était surtout de trouver prétextes à des explosions d’hémoglobines, de tripaille, de cervelles éclatées.

Le ton cinématographique est donné avec la couverture et dès l’ouverture de chaque tome, via les remerciements à la municipalité et les habitants de Carson City, comme si un tournage barbare s’y était déroulé. Tous les chapitres sont introduits par une image illustrant un film (par forcément Z !) et une citation. Les situations et les répliques évoquent également le cinéma de genre, de "Psychose", à "Indiana Jones et le temple maudit" ! Mais ce n’est pas tout, puisque l’auteur se paie même le luxe de mettre en scène des personnages incarnés par des vrais acteurs tant du cinéma que de la télévision. Je n’en dis pas plus, pour laisser la surprise, mais les fans de la génération 70-80 y trouveront leur plaisir. Griffon aime aussi le jeu vidéo et le jeu de rôle. Ainsi, chaque personnage est introduit par une fiche technique listant ses points faibles, ses points forts, ses attaques spéciales et même sa durée de vie ; certains combats rappelant les parties frénétiques de "Mortal Kombat", de "Dragon Ball", voir des "Chevaliers du zodiaque". Il y a même des boss de fin ! Tout cela pourrait ressembler à un joyeux foutoir, mais il n’en est rien. Le talent de Griffon fait que ce dernier parvient, avec finesse, à intégrer ces multiples éléments dans une histoire solide, pleine d’humour (noir, évidemment), aux multiples rebondissements, qui tiennent en haleine jusqu’au bout. Certains tomes possèdent des structures narratives bien pensées, la narration construite en flash-back ou déstructurée afin de dynamiser encore l’affaire, rendant hommage une nouvelle fois au cinéma, via l’univers de Tarantino, et même d’Orson Wells !

Les dessins de Griffon sont tout simplement superbes. Sous coup de crayon est nerveux, son noir et blanc (sans gris !) donne un ton encore plus sale à son histoire. Le découpage est audacieux et la caractérisation physique des personnages bien pensée (avec une évolution tout au long des 7 tomes). Les planches fourmillent d’un nombre de détails impressionnants (l’auteur gratifiant également le lecteur de doubles-planches incroyables), si bien qu’il est souvent nécessaire de s’arrêter dans sa lecture pour contempler, chercher, explorer les moindres recoins des nombreux décors. Justement, là où Griffon fait fort, c’est son exploration, par tome, des décors : le lac, le cimetière, la maison hantée, la forêt, le supermarché, l’hôpital, la rue, le désert, etc. Autant de clins d’oeil au cinéma qu’il aime.

Explosition de crâne, arrachage de membres, coups de pelle, monstres tentaculaires, poursuite de voiture, maison hantée, flic zélé, zombies putréfiés, vengeance, dingues de la gâchette, combats testosteronés, filles plantureuses, cimetière brumeux, étudiants débiles, singe géant, scientifique fou, armée américaine, kung-fu ; tous les ingrédients du film Z sont présents dans une bouillie d’hémoglobine, à faire pâlir "Walking dead", qui raviront les fans du genre, également fans de BD ! Évidemment, cette oeuvre n’est peut-être pas à laisser entre toutes les mains, la nausée n’étant pas loin pour les âmes sensibles. Mais Griffon montre ici qu’on peut rendre hommage au genre, tout en apportant de la fraicheur et une vraie vision d’auteur.

Aujourd'hui est un beau jour pour mourir

Aujourd'hui est un beau jour pour mourir 
titre original : Hoy es un buen día para morir

Scénario :		Colo
Dessin :		Colo
Genre :		Science-fiction
Année :		2019
Edition :		Edition du long bec
Nombre de tomes :		1
Statut :		One shot
Public :		Pour adulte et adolescent

L'histoire
Dans un futur proche, le "Chuchoteur" est poursuivi par toutes les polices du pays. Son crime : il pirate les ondes de la principale chaîne de télévision pour diffuser des messages à destination d'une population selon lui trop docile à l'égard de ceux qui détiennent pouvoir et argent. Qui est cet homme qui éveille les consciences des uns et heurte les susceptibilités des autres ? Un des membres d'un groupe de rock qui cherche désespérément à enregistrer sa première maquette ? Un écrivain en panne d'inspiration ? Un assassin impitoyable au service d'un grand groupe pharmaceutique ? Un autre protagoniste de ce récit "chorale " ? Lorsqu'un mystérieux "virus de la dépression" se propage sur une bonne partie de la planète (les personnes infectées se mettent à pleurer des larmes de sang quelques instants avant leur mort), les autorités préfèrent faire une priorité de la capture du "Chuchoteur", le terroriste informatique...



Mon avis
« Aujourd’hui est un beau jour pour mourir » est l’une de ces oeuvres qui fait écho à toute la diversité qu’est la bande dessinée. Ici, Colo (de son vrai nom Jesús Colomina Orgaz), ne se cantonne pas à un genre, mais explore la science-fiction, le polar, le drame psychologique, et post apocalyptique, à travers une histoire chorale finement ciselée de plus de 300 pages qu’il faudra quelques heures pour en venir à bout. On peut se retrouver un poil déconcerté en attaquant ce pavé (l’édition étant un peu lourde à manipuler). En effet, l’auteur semble raconter son histoire au fil de son inspiration, jonglant avec les différents personnages qui la constituent. L’exercice pourrait être difficile à réaliser, sauf que le talent de l’auteur lui permet de tenir le lecteur en haleine de bout en bout grâce à un univers bien pensé où chaque protagoniste tente de s’en sortir du mieux qu’il le peut. En effet, le Madrid (légèrement futuriste) décrit ici est sombre, violent, inhumain, sans espoir, constamment à la limite de la rupture dans la première partie. Puis devient, dans la seconde, le décor principal de l’effondrement mondial du monde que l’on a connu.

La douleur semble être le leitmotiv de Colo dans cette histoire. Si le burn-out peut être une expérience personnelle douloureuse, et bien ici l’auteur décide de la rendre collective, et ce à tous les niveaux de la hiérarchie sociale, simultanément ; une dépression totale qui n’a pas d’autre alternative que la mort. L’auteur en rajoute une couche en présentant un gouvernement plus motivé à poursuivre un hacker informatique un brin révolutionnaire, que de s’attaquer au vrai mal qui ronge la société et qui la conduit inexorablement à sa perte ; en enchainement à chaque fois les mauvais choix, des choix purement politiques et jamais au service de la communauté. Colo assène sa vision de notre monde, une humanité dédiée à disparaitre, malgré toutes les créations incroyables qu’elle a pu générer : l’art, l’amour, l’empathie et la dévotion pour l’autre. Chaque personnage de Colo est seul, face à lui-même, et poursuit un destin personnel (à l’opposé d’un investissement pour la communauté) et reproduit ainsi à son échelle les erreurs de ses dirigeants. Mais en même, que faire d’autre ? Colo épargne momentanément les enfants de l’extermination, même si l’on se doute bien que c’est temporaire puisque les enfants vont grandir. Ainsi, les personnages continuent leur vie, malgré le drame dont ils sont témoins, et croyant toujours que tout va s’arranger, qu’ils seront épargnés, que cela ne peut pas arriver. Jusqu’au moment où l’effroyable vérité explose à leur figure, lorsque fuir n’est plus possible.

Les dessins de Colo évoluent au fur et à mesure que les évènements plongent les protagonistes dans l’enfer ; des planches toujours plus obscures, des couleurs sépias qui heurtent des pastels froids et le sang, des traits nerveux. Les décors sont fouillés et les différentes ambiances sont saisissantes, surtout lorsque le monde commence à s’effondrer.

Construit en chapitres de 50 pages chacun (bien pratique pour faire des pauses !), « Aujourd’hui est un beau jour pour mourir » est une oeuvre post-apocalyptique originale puisqu’elle ne parle pas des survivants, mais des victimes. Peu d’espoir sera donné au lecteur. L’enjeu n’est pas là. A l’aube d’un millénaire qui se révèlera le dernier ou celui d’un nouveau départ pour l’espèce humaine, il est des histoires, complètement en phase avec son temps, qui mettent en garde et qui doivent être partagées. Colo montre ici que l’art n’est pas forcément un loisir, mais bien un moyen d’expression qui se doit avant tout de réveiller les consciences, susciter le débat, et toucher pour faire réfléchir.

Kairos

Kairos

Scénario :		Ulysse Malassagne
Dessin :		Ulysse Malassagne
Genre :		Heroic Fantasy
Année :		de 2013 à 2015
Edition :		Ankama Edition
Nombre de tomes :		3
Statut :		Série terminée
Public :		Pour adulte et adolescent

L'histoire
Pour Nills, ce week-end sera décisif ! Lui, qui s’imagine une virée en tête-à-tête dans la maison familiale de sa compagne, Anaëlle, va très vite comprendre qu’il s’agit surtout d’une remise en question de leur couple. Un poids trop lourd pèse sur les épaules de la jeune femme, pourtant forte et indépendante. Un secret profondément enfoui, dont elle craint les conséquences si Nills venait à le découvrir. Mais le destin ouvre pour elle la brèche vers ce passé qui la ronge. Durant la nuit, dans un grondement, d’étranges créatures viennent pour l’emporter dans leur monde. Nills prend alors la décision de plonger dans cet autre monde pour sauver sa bien-aimée.



Mon avis
"Kairos" est une série courte plutôt surprenante. Si les dessins peuvent très vite être catégorisés dans les séries jeunesse, son histoire est plutôt à réserver aux adolescents et aux adultes. Déjà, il convient de définir ce que signifie le terme "Kairos". Le "Kairos" est le moment précis où une situation (en l’espèce plutôt dramatique) bascule, où le héros doit agir. Il y a un avant et un après à jamais différents. Le "Kairos" peut être également considéré comme l’ouverture à une autre dimension (peut-être parallèle) mais dont la temporalité ne s’exprimé par en une ligne horizontale, mais plutôt par une perception différente du monde et de l’esprit. Oui oui, on n’est bien dans la philosophie grecque ! Mais en gros, le "Kairos" pourrait être la faculté de saisir le bon instant pour faire basculer les choses du bon côté (par la superficialité de ma définition, je dois être en train faire hurler toutes celles et ceux qui ont étudié la philosophie et je m’en excuse ; pas grave, j’assume).

Et bien l’auteur, s’inspirant certainement de cette définition, plonge le personnage principal dans une dimension parallèle, à la recherche de sa bien aimée. Avec ce très court résumé, on pourrait croire à une histoire classique, voir même ennuyeuse. Il n’en est rien. En fait, sur un rythme haletant qui s’accélère de page en page, Ulysse Malassagne (au scénario et aux pinceaux) confronte les différents personnages au "Kairos", mais en rajoutant des petites subtilités qui sont évidemment l’échec, mais également qu’il peut être vain, ou pire, de vouloir changer les évènements. Ainsi, notre personnage, mû, comme possédé, par son but (sauver sa moitié), va faire petit à petit le choix entre son humanité et la bête qu’il doit devenir pour affronter les ennemis qui se mettrons en travers de sa route. Cette mutation, il va la vivre au sens le plus propre du terme. Ainsi, les morts (dans tous les camps) vont s’empiler, les sangs se mélangés, jusqu’au dénouement final qui prend la forme d’une quête initiatique où le sens de la vie toute entière du héros est remise en question.

Les graphismes peuvent induire en erreur quant au public de cette oeuvre. Leur naïveté apparente ne laisse pas présager la profondeur du récit ni les scènes parfois violentes et sanglantes que le héros va provoquer pour atteindre son objectif. Les dragons ressemblent plus à des gros crocodiles un peu patauds qu’à des créatures sur-puissantes, ce qui renforce l’intéressant décalage entre le dessin et les scènes de violence ; tout comme les lunettes qui restent vissées sur le nez du héros quoi qu’il advienne. Attention, les dessins demeurent fin, avec un style graphique évolue sur les trois tomes afin de rendre le dernier acte plus brut et dynamique.

"Kairos" est une oeuvre surprenante qui ravira les fans des univers d’Heroic Fantasy, mais qui pourra aussi satisfaire les curieux en quête d’histoire de genre au ton un peu différent. Les trois tomes se dégustent rapidement et laisse un goût différent qui permet de placer cette histoire dans celles qu’il convient de découvrir.

RIP

RIP

Scénario :		Gaet's
Dessin :		Monier
Genre :		Policier, thriller
Année :		depuis 2018
Edition :		Petit à petit
Nombre de tomes :		2
Statut :		Série en cours
Public :		Pour adulte

L'histoire
Des gens meurent parfois dans l’indifférence générale. Ces gens qui n’ont pas de famille, pas d’entourage, pas d’ami. Ils vont parfois rester longtemps chez eux avant qu’on ne les découvre. Heureusement la société qui emploie Derrick et ses collègues est chargée de faire le ménage avant que toute la famille ne défile. Ce qu’ils découvrent n’est pas toujours beau à voir…



Mon avis
Surprenant et très très glauque. Voici les premiers mots qui viennent à l’esprit lorsqu’on entre dans l’univers morbide à souhait de "RIP" ; comprendre « Requiescat In Pace / Repose en paix ». L’intrigue est née d’une histoire vraie racontée à l’auteur, Gaet’s (Gaëan Petit), par un collègue lorsqu’il faisait des vendanges. Et oui, ces boulots de nettoyeurs de morts existent, mais pas en France, semblerait-il… Pour la petite anecdote, Gaet’s est également soigneur d’animaux sauvages. Et c’est certainement cette casquette singulière qui lui a aussi inspirée cette série. Les animaux en milieu naturel sont prêts à tout pour survivre, les humains peuvent-ils être pire que des bêtes affamées ? La réponse dans le premier tome est claire.

Si la narration est traditionnelle, c’est sa construction, par tome qui l’est moins. En effet, chaque tome est une histoire unique, mais qui apporte des éléments supplémentaires à la compréhension globale de l’histoire. Dans chaque tome, à la manière d’un one shot donc, le lecteur suit l’un des personnages du groupe de nettoyage, dont la psychologique était juste esquissée dans le tome précédent ou suivant. Ainsi, il demeure un « à suivre » en fin de chaque tome sans en être totalement un. Puis, sont distillées quelques questions qui aiguisent la curiosité dans le cahier graphique qui suit la dernière planche. Une voix off pose l’ambiance (glauque !), les pensées lourdes de sens du protagoniste principal. Le scénariste prend bien le temps de nous raconter son personnage, sa vie, sa misère sociale, avant de faire éclater l’élément déclencheur qui va faire basculer son existence dans le cauchemar (même si elle en demeure déjà proche quotidiennement). L’histoire s’accélère et ne relâche pas le rythme jusqu’à son épilogue qui en dit long sur l’humain, une nouvelle fois. A côtoyer la mort d’aussi proche, une certaine philosophie de vie semble se créer. Même si l’auteur ne cache pas qu’il faut posséder de sérieuses névroses pour effectuer ce travail, des névroses qui seront utilisées comme éléments narratifs très importants dans l’histoire.

Julien Monier, quant à lui, signe les dessins superbes avec des planches et une mise en cases très cinématographiques. Les personnages, bien que nombreux, sont très vite identifiés et identifiables en un coup d’oeil. Mais ce sont surtout les décors et les cadavres en putréfaction (bien dégueulasses) qui les remplit (eux-mêmes remplis de toutes sortes d’insectes) qui sont impressionnants. Les couleurs froides, proches du sépia, intensifient l’immersion dans l’histoire et permettent aux auteurs ne jamais tomber dans le too much ; une belle leçon graphique.

"RIP" est une vraie surprise du 9e art. La petite taille du livre cache une belle pagination de plus de 90 pages passionnantes. Là où le zombie était une projection de la société de consommation, le cadavre bien mort, lui, montre qu’il peut devenir un petit business bien lucratif. Et les auteurs enfoncent le clou : au final, nous mourrons toujours tout seul.

La favorite

La favorite

Scénario :		Matthias Lehmann
Dessin :		Matthias Lehmann
Genre :		Drame
Année :		2015
Edition :		Acte Sud
Nombre de tomes :		one shot
Statut :		Unitaire
Public :		Tout public

L'histoire
Orpheline, Constance est élevée par ses grands-parents, dans une maison bourgeoise de la Brie, à l’écart du monde. Le grand-père écoute Gustav Mahler dans un fauteuil, un verre à la main, maudissant le sort qui s’est abattu sur la famille il y a bien longtemps. Un sort qui a fait de lui un lâche et a poussé sa femme, qu’il hait, à punir et à battre cet enfant pour la moindre peccadille.



Mon avis
Matthias Lehmann livre une oeuvre sombre et habile où chaque personnage tente de trouver sa place : Constance, gamine de 10 ans, qui cherche refuge dans ses rêveries ; sa grand-mère, rongée par la haine, le remord et la frustration ; et son grand-père, dernier vestige d’une époque révolue, celle où sa famille brillait, son château s’érodant chaque jour un peu plus. Les autres personnages que croisent ces trois protagonistes sont peut-être plus heureux, mais pas forcément plus admirables ; des êtres humains, quoi.

Lehmann, qui signe ici scénario et dessin, parvient admirablement à mettre en scène jusqu’où la haine, la douleur mais aussi la paresse et la couardise, peuvent mener une famille qui pourtant avait tout pour continuer de construire sa réussite. Le mensonge, les secrets, les non-dits, sont les caractéristiques des relations entre chacun de personnages (saupoudré d’un peu de jalousie et de tristesse). L’auteur demeure clair avec son propos : on ne peut construire une famille sur le mensonge. On pourra tout faire pour ne jamais en parler, le repousser, l’enterrer sous des décennies de faux semblants, il éclatera forcément à un moment ou à un autre, toujours plus violemment. L’auteur en profite également pour aborder la construction sexuelle de l’enfance, et également sa déconstruction avec une finesse rarement vue. Chapeau ! La construction scénaristique n’est pas forcément linéaire. Elle pourrait perturber quelques lecteurs. En effet, Lehmann n’hésite pas intégrer des flash-backs racontés à la troisième personne, tel un journal, ou à mêler les fantasmes de Constance à la réalité, recréant même ses pages de BD cachées dans la chambre pour y intégrer son histoire. Heureusement, l’auteur a suffisamment de métier pour blinder son histoire et accompagner, tout en subtilité, son lecteur et ainsi ne jamais le perdre.

Graphiquement, c’est vraiment très beau. Lehmann travaille en noir et blanc, à l’encre, avec des hachures afin de créer ses textures et quelques aplats noirs qui décollent superbement ses personnages des fonds. Son trait singulier rappelle les gravures du 18^e siècle, le tout imprimé sur un très beau papier. Les doubles pages sont magnifiques et regorgent de détail, certaines mériteraient même d’être encadrées. Les personnages humains et animaux sont très expressifs, ce qui donne un ton dissonant avec les scènes dramatiques et renforce le mal-être des personnages.

"La favorite" est un oeuvre brillante. En effet, Matthias Lehmann avait toutes les chances de tomber dans une histoire misérabiliste, glauque ou indigeste. Il n’en est rien. Il signe ici une histoire prenante de bout en bout, qui réserve son lot de surprises. Petit conseil : ne surtout pas lire les résumés de l’éditeur fournis aux nombreux sites qui communiquent sur cette BD.

Le droit chemin

Le droit chemin

Scénario :		Wilfrid Lupano
Dessin :		Morgann Tanco
Genre :		Chronique sociale, drame
Année :		2011
Edition :		Delcourt
Nombre de tomes :		2
Statut :		Série terminée
Public :		Tout public

L'histoire
Dans un lycée agricole de l'entredeux- guerres qui abrite de la mauvaise graine, quatre ados, orphelins, vivent leurs derniers moments d'insouciance. Peu passionnés par les travaux aux champs, ils rêvent de devenir pilote d'avion ou d'épouser la fougueuse Jeanne, fille de Monsieur le Comte. Il n'en sera rien. Leur goût de la transgression les mènera sur d'autres chemins...



Mon avis
Avant de devenir le prolifique scénariste que l’on connait, avec les très fameuses séries que sont « Les vieux fourneaux », « L’assassin qu’elle mérite », « Alim le tanneur », ou « Traquemage », Wilfrid Lupano signa plusieurs scénarii déjà brillants comme ici, « Le droit chemin », où l’on retrouve déjà son style direct, plein d’humour et d’émotion, et d’une inventivité scénaristique qui permet de donner à ses récits le petit plus que les autres n’ont pas. Là où « Le droit chemin » aurait pu être une classique chronique sociale de l’entre-deux guerre, Lupano parvient à créer du mystère, des rebondissements, parler de féminisme, des générations sacrifiées, et de poser une critique de fond sur notre pays quant au sort des poilus de la première guerre et de leurs enfants. Chapeau !

Ainsi, Lupano construit tranquillement, mais surement, sa dramaturgie en invitant des personnages dont les rôles serviront très vite l’intention générale de l’histoire, à savoir l’embarras qu’ont nos gouvernements (et ceux qui les élisent) à (ré)insérer les personnes qui n’entrent pas dans le moule, socle de notre société. Qui sont ces personnes ? Les gueules cassées, celles qui ont fait la guerre pour le pays, qui y ont tout perdu (bras, jambes, poumons…), sauf la vie, et dont maintenant il faut s’occuper. Un soldat coûte quand même moins cher lorsqu’il est mort au front ; tous ces gamins qui ont vu leurs parents mourir au combat ou sous les bombes, et donc, aujourd’hui pupilles, dont il faut assurer la subsistance, l’éducation, et la formation. De la graine de délinquant à enfermer le plus vite possible. Lupano traite également de la place de la femme, de son conditionnement et de sa sexualité, une liberté qui, à toute époque, reste très compliquée à obtenir et à garder.

Graphiquement, on a le droit à de superbes planches de Morgann Tanco qui avait déjà travaillé avec Lupano sur « L’ivresse des fantômes ». Tanco s’amuse à dessiner dans le détail, avec un travail sur la lumière et les couleurs de toute beauté. Evidemment, pour illustrer l’un des sujets de l’oeuvre, le dessinateur prend plaisir à dessiner « la » femme, et nous la présente à travers le regard des ados, héros malgré eux des tragiques évènements qui nous sont comptés.

« Le droit chemin » demeure, à tort, une œuvre méconnue. Elle mérite pourtant le détour. Le talent de Lupano permet de traiter de sujets dramatique savec le ton caustique qui lui est propre ; un cynisme qui lui permet de déclarer clairement que la société ne prend pas en charge les pauvres, et s’ils peuvent mourir par eux-mêmes après l’avoir servie, ce n’est pas plus mal. Surtout quand ce sont les riches qui s’amusent à la guerre sans aller sur le champ de bataille.

La saga de Grimr

La Saga de Grimr

Scénario :		Jérémie Moreau
Dessin :		Jérémie Moreau
Genre :		Aventure
Année :		2017
Edition :		Delcourt
Nombre de tomes :		one shot
Statut :		Unitaire
Public :		Tout public

L'histoire
1783. L’Islande, accablée par la misère, doit encore subir le joug du Danemark. Et le sort de Grimr, devenu orphelin, est plus cruel encore dans ce pays où l’homme se définit d’abord par son lignage. Doté d’une force impressionnante, il se sait capable de rivaliser avec les plus fameux héros de saga même s’il n’est le fils de personne. Il ne lui manque que l’opportunité de prouver sa valeur…



Mon avis
A part un nom peut-être difficile à prononcer et à retenir, « La saga de Grimr », est une très très bonne surprise de la BD qui permet à son auteur, Jérémie Moreau, de traiter une nouvelle fois de la bêtise humaine, mais pas uniquement via son pinceau comme pour « Le singe de Hartlepool », mais également en tant que scénariste.

Dès la première séquence de cette œuvre, le ton est donné. La nature est aussi impitoyable que les hommes, et ne survivront que les plus forts. Le jeune Grimr l’a bien compris. C’est donc, coiffé de sa tignasse rousse, qu’il décide lutter contre les éléments, contre tout le monde, avec sa force surhumaine qu’il compte bien utiliser pour laisser sa trace dans l’histoire de son île : l’Islande. Mais le chemin va être long, car malheur aux gamins qui ne sont pas nés dans la bonne famille ou qui n’ont simplement plus de parents. Les hommes étant stupides (au sens premier du terme), ceux-ci préfèrent se réfugier dans leurs paraboles et autres légendes, plutôt que d’écouter et de tenter de connaitre l’autre, surtout si celui-ci a la force de briser une nuque aussi facilement qu’une brindille. Ainsi, Grimr, tour à tour vulgaire gueux, héros, puis criminel, se verra confronté avant tout à l’obscurantisme de ses congénères, et de lui-même ; la foule devenant comme toujours la négation de la réflexion. La bêtise est humaine. Mais l’amour peut, parfois, créer quelques étincelles de grâce.

Graphiquement, Jérémie Moreau parvient à rendre hommage à la puissance de l’Islande avec des aquarelles de toute beauté, dont les magnifiques couleurs permettent de caractériser cette île, personnage omniprésent ; tantôt vert avec sa nature pure et inexplorée, puis évidemment rouge, lorsque ses entrailles décident de s’ouvrir pour cracher sa lave et sa colère. Les doubles-pages magnifiques sont à contempler tel des tableaux qu’il est presque frustrant de ne pas pouvoir accrocher.

« La saga de Grimr » est un brillant roman graphique, chargé de force et d’émotion. La puissance de l’île Islandaise est retranscrite avec finesse et intelligence, comme si la nature n’était pas que spectatrice du ballet des hommes et voulait avoir son mot à dire, même si celui-ci se veut plutôt cynique et impitoyable. A noter que cette BD a obtenu le fauve d’or d’Angoulême en 2018.

I kill giants

I kill giants

Scénario :		Joe Kelly
Dessin :		José Maria Ken Niimura
Genre :		Drame
Année :		2018
Edition :		Bragelonne
Nombre de tomes :		one shot
Statut :		Unitaire
Public :		Tout public

L'histoire
Barbara Thorson est une jeune fille presque comme les autres. Alors que les filles de son âge sont toutes absorbées par les derniers événements cathodiques, Barbara, elle, préfère Donjons et Dragons. Si elle fréquente le collège Birch, c’est le plus souvent du bureau du principal, M. Marx, pour y chercher punitions et heures de colle. Il faut dire que face à Taylor et ses misérables tentatives de racket, elle n’hésite pas une seconde à se défendre, bec et ongles et à se battre s’il le faut. Et l’ambiance à la maison n’est pas vraiment meilleure... Mais Barbara a d’autres préoccupations. Les Géants s’apprêtent à envahir et détruire le monde. Elle, une toute jeune fille épaulée par de minuscules pixies, est prête à tout pour les en empêcher. Armée de son marteau légendaire, Coveleski, au péril de sa vie, malgré le temps qui lui est compté, elle prépare leur venue.



Mon avis
"I kill giants", écrit par l’américain Jo Kelly et dessiné par l’espagnol Rosé Maria Ken Niimura, est un véritable OVNI dans l’univers de la BD. Ces deux auteurs officiants, entre autres, dans l’univers des supers héros américains, se sont retrouvés pour créer une oeuvre singulière qui est devenue une véritable référence inclassable, intemporelle et qu’il aura fallu attendre 10 ans avant d’en avoir enfin une version francophone. A noter que les éditions Quadrants ont édité la première partie de l’histoire en 2009 sous le nom "Je tue des géants" et n’ont pas sorti la seconde partie qui devait conclure l’histoire (merci pour les lecteurs !). Mais en 2018 Bragelonne récupère enfin les droits et offre une très belle intégrale, des sept comics book, accompagnée de compléments plutôt sympas.

Il n’est pas simple d’écrire sur cette BD sans en déflorer l’intrigue. Et pourtant, il y en a des choses à en dire. "I kill giants" est roman graphique d’une sincérité et d’une émotion rare, mais pas forcément facile d’accès. Les dessins de Niimura sont très expressifs, furieux même, et son trait permet de ressentir instantanément le mouvement. Mais son style pourrait faire penser parfois à de l’esquisse ou du dessin bâclé, alors que ses graphismes sont, si l’on y regarde de plus près, très fins, détaillés et de créent aussitôt une ambiance surréaliste où le danger rôde constamment autour de l’héroïne, Barbara. Il est certain que la finesse de son trait demande au lecteur un peu d’attention pour saisir tous les détails, et parfois reconnaître certains personnages qui véhiculent énormément de sentiments uniquement avec leurs visages, leurs postures, sans passer par du dialogue. C’est évidemment le cas avec Barbara, tout de suite caractérisée par… d’immenses oreilles de lapin et des lunettes qui lui prennent la moitié du visage. Les géants et les titans sont magnifiques et certaines doubles pages de dessin mériteraient d’être des tableaux à afficher.

La narration quant à elle est fluide. Kelly ne perd pas de temps dans l’installation des personnages et attaque tout de suite dans l’action. Ce qui est peut-être déstabilisant, surtout pour celles et ceux qui n’ont jamais joué à des jeux de rôles, car plusieurs références construisent l’histoire ; certains dialogues pourront donc paraître étranges aux non-initiés, mais sans que cela ne soit handicapant pour comprendre l’histoire. Justement, la force de l’histoire vient dans la caractérisation du personnage principal à qui l’on est obligé de s’attacher tant elle est à la fois insupportable et débordante de fragilité. Une carapace émotionnelle qu’elle se crée et que l’auteur parvient à nous faire comprendre avec une grande subtilité. Fragilité, car Barbara est jeune, même pas encore une adolescente et que sa vie n’est pas si simple, ses psychoses, ses peurs, ses combats permanents et ses souffrances, bouillonnent tout le long des planches et explosent lorsqu’elle ne peut plus les affronter. Ainsi, si Kelly aborde le thème classique de la disparition de l’enfance et de la construction identitaire, il parle avec finesse de la mort, du deuil, et de la méchanceté de l’enfance (qui deviendra celle de l’adulte).

Il faut lire "I kill giants" et se laisser surprendre par cette oeuvre qui possède plusieurs niveaux de lecture pertinents et poignants. Ces deux auteurs nous proposent ce qu’ils ont fait de meilleur dans leur carrière qui n’est pas prête de s’arrêter, on l’espère. Certes, il faudra un peu d’effort pour entrer dans l’histoire et accepter ces univers sombre et excentriques à la fois. Mais c’est aussi cela l’univers d’un artiste, il faut apprendre à le découvrir, il faut l’explorer, il ne se laisse pas faire, et s’en est tout l’intérêt, à l’image de l’héroïne de cette histoire. Un film du même nom, adapté de cette BD, est également sorti en 2018.